Dr. Manuela Husemann

Das Programm für DIE JUNGEN im Kunstverein bietet regelmäßig und exklusiv Einführungen in Ausstellungen und Arbeitsbereiche der Kunsthalle Bremen sowie Exkursionen in Bremer Galerien und Ateliers. Beginn ist jeweils um 19 Uhr (wenn nicht anders angegeben) in der Kunsthalle Bremen, anschließend Kunst-Stammtisch auf der Galerie vor dem Mitgliederbüro. Einladung und Anmeldung erfolgen per E-Mail.

Du gehörst zu der genannten Altersgruppe, bist Mitglied bzw. möchtest Mitglied des Kunstvereins werden und möchtest zu den Veranstaltungen eingeladen werden? Schicke bitte eine kurze E-Mail an Berit Krumbein.

Dr. Alice Gudera

In jedem Raum präsentiert Ikonen. Was wir Menschen anbeten ein einziges Meisterwerk, das auf seine je eigene Art Aspekte der Spiritualität und Andacht ausdrückt – von der russischen Ikone über Caspar David Friedrich, Wassily Kandinsky, Kasimir Malewitsch, Piet Mondrian, Mark Rothko, Yves Klein bis zu Andy Warhol, Niki de Saint Phalle, Isa Genzken und Andreas Gursky. „Alltags-Ikonen“ aus der Markenwelt und Popkultur ergänzen die Auswahl. Die Interpretation des traditionellen Ikonen-Gedankens in der Kunst wird so mit dem Phänomen der Ikonisierung in unserer alltäglichen Lebenswelt kontrastiert. Wir wollen uns intensiv einzelnen Werken, wie auch der Frage nach jeweils möglichen ikonischen Betrachtungsweisen von Kunstwerken widmen.

Weitere Veranstaltungen in der IKONEN-Programm Reihe (alle drei als Paket buchbar):

Samstag, 16. November, 11 bis 13:30 Uhr
Einführung: Die Ikone -Kultbild der Ostkirche

Samstag, 7. Dezember, 11 bis 13:30 Uhr
Seminar: Ikonen und die Moderne. Zur Spiritualität in der Kunst des 20. Jahrhunderts

Dr. Dorothee Hansen

Hier hat sich manch rätselhafte Werk schon als wertvolles Original entpuppt! dieKustodinnen der Kunsthalle helfen bei Fragen über Malerei und Grafik. Exklusiv und kostenlos für Mitglieder des Kunstverein.

Dr. Eva Fischer-Hausdorf

Der Freundeskreis ist 2013 mit dem Ziel entstanden, das Kupferstichkabinett als Ort des Austauschs und der Sammlung zu beleben und auszubauen, intensive Kunstbetrachtung vor den Originalen zu ermöglichen und lebhafte Dialoge in Gang zu setzen.
Regelmäßige Veranstaltungen am Dienstagabend im Alten Studiensaal oder auch außerhalb der Kunsthalle, die exklusiv dem Freundeskreis des Kupferstichkabinetts vorbehalten sind, geben dazu Gelegenheit. Sie wollen Mitglied werden? Wenden Sie sich an das Mitgliederbüro.

Jennifer Smailes

Das Programm für DIE JUNGEN im Kunstverein bietet regelmäßig und exklusiv Einführungen in Ausstellungen und Arbeitsbereiche der Kunsthalle Bremen sowie Exkursionen in Bremer Galerien und Ateliers. Beginn ist jeweils um 19 Uhr (wenn nicht anders angegeben) in der Kunsthalle Bremen, anschließend Kunst-Stammtisch auf der Galerie vor dem Mitgliederbüro. Einladung und Anmeldung erfolgen per E-Mail.

Du gehörst zu der genannten Altersgruppe, bist Mitglied bzw. möchtest Mitglied des Kunstvereins werden und möchtest zu den Veranstaltungen eingeladen werden? Schicke bitte eine kurze E-Mail an Berit Krumbein.

Dr. Katharina Erling

Schon lange vor der Entstehung der abstrakten Malerei gab es Bilder ohne erkennbaren Gegenstand, sie dienten der Erfassung einer flüchtigen äußeren Erscheinung oder einer Stimmung, wie etwa bei William Turner. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts ging es um die Suche nach dem verloren gegangenen Göttlichen : Analog zur Gegenwart des Göttlichen in der Ikone sollte das Geistige (Kandinsky), das Schöpferische (Mondrian) bzw. das befreite, schweigende Nichts hinter der profanen Verwendbarkeit aller Dinge und Kräfte (Malewitsch) nur mittels Formen und Farben vermittelt werden. Zeitgleich suchte die schwedische Künstlerin Hilma af Klint in ihren Bildern die Polarität von Dunkel und Licht als Prinzip des Lebens anschaulich zu machen und Constantin Brancusi entwickelte durch harmonisch abstrakte Formen die Vorstellung von der Wesenheit der Dinge in der Skulptur.
Die Meisterwerke der frühen Abstraktion in der Ausstellung „Ikonen“ lassen diesen revolutionären und für die Entwicklung der Moderne grundlegenden Neubeginn erfahrbar werden.

11.1.2020
Teil I: Mondrian, Malewitsch, Kandinsky - Frühe Abstraktion

25.1.2020
Teil II: Yves Klein, Barnett Newman, Mark Rothko – Monochrome Malerei in Frankreich und den USA

1.2.2020
Teil III: Dan Flavin, Joseph Kosuth, Hanne Darboven – Minimalismus und Konzeptkunst

Dr. Katerina Vatsella

Diese Einführung gibt Einblick in die Geschichte der traditionellen Ikone. Spirituelle Präsenz und auratische Kraft bedingen die christliche Ikone, deren Entstehung und Entwicklung auf die byzantinischen Spätantike zurückgeht. Bei diesen besonderen, faszinierenden Bildern geht es somit nicht etwa um eine Stilrichtung innerhalb der Kunstgeschichte, sondern um liturgisch wichtige Werke, die erst im religiösen und kulturellen Kontext der Ostkirche heraus begreifbar sind.
In erster Linie ist die byzantinische Ikone das zentrale Kultbild der orthodoxen Christenheit. Außerhalb des religiösen Rahmens werden Ikonen oft unter künstlerisch-ästhetischen Aspekten betrachtet, und auch unter den Ikonen gibt es Meisterwerke im künstlerischen Sinn. Gleichzeitig sind Ikonen Dokumente der Kulturgeschichte und Volkskunde. In Griechenland, Russland, Bulgarien oder Rumänien haben sie weiterhin – oder erneut – eine wichtige Funktion in der Kirche wie auch im privaten Bereich.

Passend zur Ausstellung zeigt die Schauburg Ikonen des Kinofilms wie Psycho oder den Film Van Gogh – An der Schwelle zur Ewigkeit zum ikonischen Künstler Van Gogh. Jeweils vor dem Film gibt es eine kurze inhaltliche Einführung durch Mara-Lisa Kinne, wissenschaftliche Volontärin der Kunsthalle Bremen.

Dr. Alice Gudera

Zu den herausragenden Leihgaben in der großen Sonderausstellung der Kunsthalle Bremen „Ikonen. Was wir Menschen anbeten“ gehören Meisterwerke der amerikanischen Farbfeldmalerei: Barnett Newmans „Who’s afraid of red, yellow and blue III“ von 1967/68 und „Ohne Titel (Drei Schwarz in Dunkelblau)“, das zu den bahnbrechenden color field paintings Mark Rothkos aus dem Jahr 1960 zählt. Wir nutzen die einmalige Gelegenheit, uns intensiv und vor den Originalen mit dieser ungegenständlichen, auf Farbentfaltung und -wirkung zielenden Malerei zu widmen. Wird der Betrachter bei Rothko in einen Farbraum gezogen und werden damit transzendentale Wahrnehmungsräume eröffnet, so fordert uns Newman mit machtvollem Rot, vor dem wir mit nur geringem Abstand stehen sollen, heraus. Wie verhalten wir uns im Gegenüber einer so erhaben auf uns kommenden Farbmalerei, die nichts mehr erzählt, vorgibt und Auslöser von Grenzerfahrungen sein kann?
Auch die  Arbeiten des französischen Künstlers Yves Klein bestechen durch intensive Farbwirkung: Hier wird die lange Tradition von Farbbedeutungen ohne den Gegenstand virulent: Das Blau allein weckt nun die Assoziation an Ferne. Auch an etwas Sakrales lässt es erinnern,  wie das ebenfalls von Klein eingesetzte Gold es von jeher mit sich brachte.
Nach einer Einführung in den kunsthistorischen Kontext der monochromen Malerei im Seminarraum setzen wir das Seminar in der Sonderausstellung fort.

11.1.2020
Teil I: Mondrian, Malewitsch, Kandinsky - Frühe Abstraktion

25.1.2020
Teil II: Yves Klein, Barnett Newman, Mark Rothko – Monochrome Malerei in Frankreich und den USA

1.2.2020
Teil III: Dan Flavin, Joseph Kosuth, Hanne Darboven – Minimalismus und Konzeptkunst

Dr. Katerina Vatsella

Als Gegenbewegung zur Bilderflut der Pop Art und der expressiven Gestik des Abstrakten Expressionismus entstand in den frühen 1960er Jahren in den USA eine Kunstströmung, die als Minimal-Art bezeichnet wird. Minimal deshalb, weil sie nach Reduktion, Klarheit, Logik und Objektivität strebt und sich von individuellen Gefühlen und der persönlichen künstlerischen Handschrift distanziert. Obwohl auch in der Malerei minimalistisch gearbeitet wurde, wird der Begriff vorwiegend auf dreidimensionale Werke angewandt, Objekte, Skulpturen und Installationen. Es herrschen geometrische Grundformen vor, oft in serieller Wiederholung und aus industrieller Produktion, wodurch Ordnungen und Strukturen geschaffen werden. Bedeutende Vertreter der Minimal-Art sind u.a. Dan Flavin, Carl Andre, Donald Judd oder Sol Le Witt.
Letzterer gehört außerdem mit zu den Begründern der ebenfalls in den 60er Jahren entstandenen Konzeptkunst. Das ist ein Sammelbegriff für Strömungen, bei denen die Idee, das Konzept, die Gedanken zu einem Werk als wichtiger erachtet werden, als dessen Realisierung. Joseph Kosuth ist einer der wichtigsten Exponenten dieser Strömung, der sich mit unserer Wahrnehmung der Realität und der intellektuellen Definition von Begriffen bildhaft auseinandersetzte. Hanne Darbovens besonderes Werk wiederum, das einen musikalischen Hintergrund hat, besteht vor allem aus Schreibzeichnungen, Wort- und Zifferwiederholungen, Fotografien oder rhythmischen Linien und Durchstreichungen, in denen sie das Vergehen der Zeit einzufangen sucht.

11.1.2020
Teil I: Mondrian, Malewitsch, Kandinsky - Frühe Abstraktion

25.1.2020
Teil II: Yves Klein, Barnett Newman, Mark Rothko – Monochrome Malerei in Frankreich und den USA

1.2.2020
Teil III: Dan Flavin, Joseph Kosuth, Hanne Darboven – Minimalismus und Konzeptkunst

Dr. Katerina Vatsella

Kunst kann anregen, Freude bereiten, aber auch verunsichern, in Frage stellen. Besonders die Begegnung mit zeitgenössischer Kunst ist häufig mit Fragezeichen versehen und mit Irritationen verbunden.
Dieses Seminar soll helfen, moderne Kunst besser zu verstehen. Es richtet sich an alle, die ihr Wissen vertiefen und ihren „Kunst-Horizont“ erweitern möchten, unabhängig von ihren Vorkenntnissen.

Dr. Alice Gudera

Grün ist heute die nahezu universelle Farbe der Natur, der Gesundheit und nicht zuletzt der Ökologie. Das war jedoch nicht immer so: Die längste Zeit war Grün als Farbstoff und Pigment so schwer zu gewinnen und so instabil wie in seiner Bedeutung ambivalent: Symbol des Lebens und der Liebe auf der einen Seite, war es andererseits mit Gift, Unglück sowie dem Teufel und seinen Kreaturen assoziiert. Spielt Grün naturgemäß eine wichtige Rolle in der Landschaftsmalerei, so wurde es in der abstrakten, von der sichtbaren Wirklichkeit gelösten Kunst gemieden.

Dr. Alice Gudera

Anlässlich seines 70. Geburtstages zeigt die  Kunsthalle Bremen eine groß angelegte Ausstellung mit Werken Norbert Schwontkowskis (1949 – 2013) und stellt damit einmal mehr seine bedeutende Stellung  innerhalb der jüngeren Malerei heraus. In eigenwilligen, oft gedämpften Tönen vermitteln die Bilder des Bremer Künstlers eine Welt, die so erdverbunden und gleichermaßen losgelöst vom Raum ist, dass wir unmittelbar in sie hineingezogen werden. Manches scheint aus der Ferne auf, Andeutungen lassen die Phantasie spielen, Humorvolles wechselt mit melancholischem Ernst. Geschichten klingen an, ohne tatsächlich erzählt zu werden. Menschen, zentral in Schwontkowskis Werk, schauen suchend, wecken die Neugier, ihren Blicken zu folgen. Selbst große Formate versprühen nicht selten einen poetischen Klang, - ohne jedoch gefällig zu wirken.

Dr. Alice Gudera

 Jan van Eyck (um 1390 – 1441) steht am Beginn der neuzeitlichen Malerei nördlich der Alpen. Sein gemeinsam mit seinem Bruder Hubert geschaffener, 1432 vollendeter und nunmehr restaurierter Genter Altar stellt in den Ausmaßen, in der Spiegelung der Natur, des Menschen, der unterschiedlichen Stoffe, nicht zuletzt in der Farbbehandlung mit emailhafter Wirkung noch immer eine Sensation dar. Die Finesse dieses Altars, zu der auch die sichtbare Reflexion des Künstlers über seine Möglichkeiten im Medium der Tafelmalerei gehört, trug zu seiner enormen Bewunderung und Rezeption bereits im 15. Jahrhundert bei. Bis heute gelten darüber hinaus Bilder wie van Eycks sogenannte „Arnolfini-Hochzeit“ oder „Die Madonna des Kanonikers van der Paele“ als Meisterwerke der europäischen Malerei. Seiner im Herzogtum Burgund beheimateten Kunst widmet sich nun eine groß angelegte Ausstellung im Genter Museum für Schöne Künste. Sie bietet die  einmalige Chance, eine Vielzahl von van Eycks Werken in einer Zusammenschau mit Arbeiten seiner Zeitgenossen aus Deutschland, Frankreich, Italien und Spanien zu studieren.
Im Seminar werden wir das Œuvre van Eycks und seine künstlerischen Quellen kennen lernen sowie die Ausstrahlung seiner Kunst verfolgen.
Das Seminar findet im Veranstaltungsraum der Kunsthalle statt.

Dr. Katharina Erling

Die Welt muss romantisiert werden. So findet man den ursprünglichen Sinn wieder. Indem ich dem Gemeinen einen hohen Sinn, dem Gewöhnlichen ein geheimnisvolles Ansehn, dem Endlichen einen unendlichen Schein gebe, so romantisiere ich es. Mit diesen Worten  formulierte der Dichter Novalis 1798 das Anliegen einiger junger Künstler, die gegen die rationalistische Weltanschauung der Aufklärung und gegen das künstlerische Programm des Klassizismus aufbegehrten. Sie beriefen sich auf das eigene Gefühl, auf Seele, Herz und Geist und suchten nach einer „echteren“ Erfassung der Wirklichkeit, die alle Bereiche der Künste und das gesamte Leben durchdringen sollte.
Zwischen 1797 und 1840 erfasste die Bewegung der Romantik in Deutschland gleichermaßen die bildenden Künste, die  Dichtung und die Musik.  In den Jahren der napoleonischen Besetzung nahm sie auch Einfluss auf freiheitlich-politische und kulturpolitische Vorstellungen.
Das Seminar führt mit Beispielen aus Musik, Literatur und Kunst in die Zeit des romantischen Aufbruchs ein. Anhand von Werken in der Sammlung der Kunsthalle werden die für die Romantik typischen Motive, Techniken und Stilmerkmale in der bildenden Kunst vertieft.

18. April: Die romantische Weltanschauung. Philipp Otto Runge
9. Mai: Caspar David Friedrich und die Malerei der Romantik in Dresden
16. Mai: Die Nazarener und andere Künstlerkreise
6. Juni: Die Spätromantiker: Ludwig Richter, Moritz von Schwind und Carl Spitzweg.
Die Zeitgenossen: William Turner, Ferdinand Waldmüller und Eugène Delacroix

Dr. Katharina Erling

Die Zeichnung ist die älteste und ursprünglichste künstlerische Ausdrucksform. In keiner anderen Technik kann man einem Künstler so unmittelbar über die Schultern schauen und seine Bildfindungen miterleben. Ob als erste Ideenskizze, als vorbereitende Studie, als Entwurf, oder als selbständige künstlerische Arbeit, in ihren vielfältigen Funktionen kommt der Zeichnung eine besondere Bedeutung zu.
Die Ausstellung stellt 50 Meisterzeichnungen vom 15. bis 20. Jahrhundert aus dem Bestand der Kunsthalle Bremen vor und veranschaulicht ihre unterschiedlichen Funktionen und Bestimmungen. Besonderes Augenmerk liegt dabei auf bisher nie ausgestellten Blättern von großen Künstlern, etwa von Annibale Carracci und Guercino, aber auch auf anonymen meisterlichen Blättern sowie auf Arbeiten, die den Entstehungsprozess eines Werkes in der Sammlung vermitteln.

Dr. Alice Gudera

Grün ist heute die nahezu universelle Farbe der Natur, der Gesundheit und nicht zuletzt der Ökologie. Das war jedoch nicht immer so: Die längste Zeit war Grün als Farbstoff und Pigment so schwer zu gewinnen und so instabil wie in seiner Bedeutung ambivalent: Symbol des Lebens und der Liebe auf der einen Seite, war es andererseits mit Gift, Unglück sowie dem Teufel und seinen Kreaturen assoziiert. Spielt Grün naturgemäß eine wichtige Rolle in der Landschaftsmalerei, so wurde es in der abstrakten, von der sichtbaren Wirklichkeit gelösten Kunst gemieden.

Dr. Katharina Erling

Die Welt muss romantisiert werden. So findet man den ursprünglichen Sinn wieder. Indem ich dem Gemeinen einen hohen Sinn, dem Gewöhnlichen ein geheimnisvolles Ansehn, dem Endlichen einen unendlichen Schein gebe, so romantisiere ich es. Mit diesen Worten  formulierte der Dichter Novalis 1798 das Anliegen einiger junger Künstler, die gegen die rationalistische Weltanschauung der Aufklärung und gegen das künstlerische Programm des Klassizismus aufbegehrten. Sie beriefen sich auf das eigene Gefühl, auf Seele, Herz und Geist und suchten nach einer „echteren“ Erfassung der Wirklichkeit, die alle Bereiche der Künste und das gesamte Leben durchdringen sollte.
Zwischen 1797 und 1840 erfasste die Bewegung der Romantik in Deutschland gleichermaßen die bildenden Künste, die  Dichtung und die Musik.  In den Jahren der napoleonischen Besetzung nahm sie auch Einfluss auf freiheitlich-politische und kulturpolitische Vorstellungen.
Das Seminar führt mit Beispielen aus Musik, Literatur und Kunst in die Zeit des romantischen Aufbruchs ein. Anhand von Werken in der Sammlung der Kunsthalle werden die für die Romantik typischen Motive, Techniken und Stilmerkmale in der bildenden Kunst vertieft.

18. April: Die romantische Weltanschauung. Philipp Otto Runge
9. Mai: Caspar David Friedrich und die Malerei der Romantik in Dresden
16. Mai: Die Nazarener und andere Künstlerkreise
6. Juni: Die Spätromantiker: Ludwig Richter, Moritz von Schwind und Carl Spitzweg.
Die Zeitgenossen: William Turner, Ferdinand Waldmüller und Eugène Delacroix

Dr. Katharina Erling

Die Welt muss romantisiert werden. So findet man den ursprünglichen Sinn wieder. Indem ich dem Gemeinen einen hohen Sinn, dem Gewöhnlichen ein geheimnisvolles Ansehn, dem Endlichen einen unendlichen Schein gebe, so romantisiere ich es. Mit diesen Worten  formulierte der Dichter Novalis 1798 das Anliegen einiger junger Künstler, die gegen die rationalistische Weltanschauung der Aufklärung und gegen das künstlerische Programm des Klassizismus aufbegehrten. Sie beriefen sich auf das eigene Gefühl, auf Seele, Herz und Geist und suchten nach einer „echteren“ Erfassung der Wirklichkeit, die alle Bereiche der Künste und das gesamte Leben durchdringen sollte.
Zwischen 1797 und 1840 erfasste die Bewegung der Romantik in Deutschland gleichermaßen die bildenden Künste, die  Dichtung und die Musik.  In den Jahren der napoleonischen Besetzung nahm sie auch Einfluss auf freiheitlich-politische und kulturpolitische Vorstellungen.
Das Seminar führt mit Beispielen aus Musik, Literatur und Kunst in die Zeit des romantischen Aufbruchs ein. Anhand von Werken in der Sammlung der Kunsthalle werden die für die Romantik typischen Motive, Techniken und Stilmerkmale in der bildenden Kunst vertieft.

18. April: Die romantische Weltanschauung. Philipp Otto Runge
9. Mai: Caspar David Friedrich und die Malerei der Romantik in Dresden
16. Mai: Die Nazarener und andere Künstlerkreise
6. Juni: Die Spätromantiker: Ludwig Richter, Moritz von Schwind und Carl Spitzweg.
Die Zeitgenossen: William Turner, Ferdinand Waldmüller und Eugène Delacroix

Dr. Katharina Erling

Die Freilichtmalerei der Schule von Barbizon, Gustave Courbets Realismus und Eduard Manets unmittelbare Wiedergabe der Wirklichkeit und seine Behandlung der Malerei als Selbstwert haben auf die deutschen Maler tiefen Eindruck gemacht und in Deutschland zu einem regelrechten Umsturz geführt. Der Schriftsteller Charles Beaudelaire feierte in Paris damals den künstlerischen Aufbruch seiner Zeit als Malerei des modernen Lebens in der auch die  Epoche, die Mode, die Moral, die Leidenschaft ihren Ausdruck finden sollten. Viele deutsche Künstler, von den Münchnern über die Worpsweder bis zu Liebermann, Slevogt und Corinth haben sich in dieser Hinsicht von der französischen Kunst inspirieren lassen.
Die neue Präsentation der Sammlung vermittelt nun solche Bezüge durch spannende Gegenüberstellungen: die Bilder von Courbet, Manet und Monet treffen auf  ihre deutschen Zeitgenossen Wilhelm Leibl, Carl Schuch und Otto Scholderer. Die Worpsweder Maler lassen sich neben ihren verehrten Vorbildern, den Malern von Barbizon neu verstehen. Es sind unerwartete Begegnungen, die die wesentlichen Entwicklungen dieser bewegten Kunstepoche anschaulich nachvollziehen.

16.6.
Teil II: Deutschland und Frankreich, Teil II: Van Gogh, Cézanne, Modersohn-Becker

Dr. Katharina Erling

Die Welt muss romantisiert werden. So findet man den ursprünglichen Sinn wieder. Indem ich dem Gemeinen einen hohen Sinn, dem Gewöhnlichen ein geheimnisvolles Ansehn, dem Endlichen einen unendlichen Schein gebe, so romantisiere ich es. Mit diesen Worten  formulierte der Dichter Novalis 1798 das Anliegen einiger junger Künstler, die gegen die rationalistische Weltanschauung der Aufklärung und gegen das künstlerische Programm des Klassizismus aufbegehrten. Sie beriefen sich auf das eigene Gefühl, auf Seele, Herz und Geist und suchten nach einer „echteren“ Erfassung der Wirklichkeit, die alle Bereiche der Künste und das gesamte Leben durchdringen sollte.
Zwischen 1797 und 1840 erfasste die Bewegung der Romantik in Deutschland gleichermaßen die bildenden Künste, die  Dichtung und die Musik.  In den Jahren der napoleonischen Besetzung nahm sie auch Einfluss auf freiheitlich-politische und kulturpolitische Vorstellungen.
Das Seminar führt mit Beispielen aus Musik, Literatur und Kunst in die Zeit des romantischen Aufbruchs ein. Anhand von Werken in der Sammlung der Kunsthalle werden die für die Romantik typischen Motive, Techniken und Stilmerkmale in der bildenden Kunst vertieft.

18. April: Die romantische Weltanschauung. Philipp Otto Runge
9. Mai: Caspar David Friedrich und die Malerei der Romantik in Dresden
16. Mai: Die Nazarener und andere Künstlerkreise
6. Juni: Die Spätromantiker: Ludwig Richter, Moritz von Schwind und Carl Spitzweg.
Die Zeitgenossen: William Turner, Ferdinand Waldmüller und Eugène Delacroix

Dr. Alice Gudera

Die Sammlung der Kunsthalle Bremen 2020. Neue Begegnungen: Van Gogh, Cézanne, Modersohn-Becker
2020 präsentiert sich die Kunsthalle Bremen gänzlich neu. Erkenntnisse, die aus den vergangenen Ausstellungen, der jüngeren Kunstgeschichte und dem Wandel im Museumsbetrieb gewonnen werden konnten, vermitteln ein lebendiges, stets jedoch auch wissenschaftlich nachvollziehbares Bild.
Die reichen Schenkungen der vergangenen Jahre an den Kunstverein können nun in einem ihnen entsprechenden Rahmen und Kontext gesehen werden, andererseits werden an vielen Stellen lang gehegte Sichtweisen durch neue aufgebrochen. So stehen die Werke der frühen Moderne eines Paul Cézanne (1839–1906) und Vincent van Gogh (1853–1890) nun erstmals in einem Raum unmittelbar den  Arbeiten Paula Modersohn-Beckers (1876–1907) gegenüber. Diese Zusammenschau ist Schwerpunkt unserer Veranstaltung.