Dr. Alice Gudera

Dieses Kunstgeschichteseminar fällt aus.
Das neue Seminar zur Kunst des Impressionismus startet am 18.9.

Die impressionistische Malerei von Claude Monet, Auguste Renoir oder Edgar Degas ist auf der Beliebtheitsskala beim Publikum kaum zu überbieten. In ihrer Zeit haben diese Künstler jedoch mühsam um Anerkennung ringen müssen. Die Entstehung des Impressionismus lässt sich insbesondere vor der Folie der offiziell anerkannten Kunst des Salons wie auch innerhalb der Entwicklung der französischen Landschaftsmalerei des 19. Jahrhunderts nachvollziehen. Mit Blick auf die impressionistische Blütezeit in den 1870er Jahren fällt sodann nicht nur das gemeinsame Interesse der Maler und Malerinnen an der künstlerischen Umsetzung der Sujets unter den jeweiligen Licht- und Luftverhältnissen auf, sondern auch die Vielfalt neuer Motive aus dem bürgerlichem Freizeitvergnügen und dem Großstadtleben. Einzelne Künstler gingen schließlich seit den achtziger Jahren des 19. Jahrhunderts einen entscheidenden Schritt weiter: George Seurat, Paul Cézanne, Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Emile Bernard wie auch die Künstler der Gruppe Nabis setzten auf die eigenständige Wirkung von Farbe, Linie und Fläche und begründeten somit die moderne Malerei.

6. Februar: Die Geburt des Impressionismus

13. Februar: Die Blütezeit des Impressionismus

20. Februar: Der Weg zur Moderne I: George

Seurat, Paul Cézanne und Vincent van Gogh

27. Februar: Der Weg zur Moderne II: Paul

Gauguin, Emile Bernard und die Künstler der Nabis

jeweils 11 - 13 Uhr

Dr. Alice Gudera

Dieses Seminar fällt aus.

Weiß, seit Aristoteles eine der Grundfarben und bereits traditionell mit Reinheit und Unschuld, aber auch mit dem Göttlichen assoziiert, erfuhr in der Moderne noch einmal eine enorme Aufwertung. Die Antikensehnsucht des 18. Jahrhunderts dachte sich die klassischen Skulpturen weiß – im Gegensatz zur Buntheit und Profanität der Welt. Die antikische Aura von Kühle und Erhabenheit beeinflusste nicht nur die Architektur des Klassizismus; auch die Architekten der Avantgarde von Theo van Duisburg über Walter Gropius bis Le Corbusier träumten vom asketisch weißen, vergeistigten Bau der Moderne.
Nachdem die Kunst des 19. Jahrhunderts von Turner über Monet bis Whistler das Weiß als Farbe rehabilitiert hatte, wurde es – parallel zu seiner ideologischen Besetzung in der Architektur – auch in der avantgardistischen Malerei zu einem zentralen Thema. Die Idee des weißen Bildes stand nunmehr, bei Kandinsky ebenso wie bei Malewitsch oder nach dem Zweiten Weltkrieg bei Lucio Fontana und den Künstlern der Gruppe ZERO, als Synonym für die „tabula rasa“ und einen fundamentalen Neuanfang.
In der konzeptuellen Malerei eines Robert Ryman schließlich – aber auch im „White Cube“ des Galerieraums – kommt die Kunst gleichsam zu sich selbst; sie hat sich von allen außerbildlichen Bezügen befreit. Unsere Seminarreihe, in der wir die Geschichte der wichtigsten Farben und ihre Verwendung in der Kunst von der Antike bis in die Gegenwart nachgezeichnet haben, beschließen wir daher mit dem Weiß.

Dr. Katharina Erling

Gibt es im Norden Europas überhaupt eine Renaissance? Ebenso wie in Italien, hat auch der Norden zu Beginn des 16. Jahrhunderts einen umfassenden Neubeginn in Kunst, Literatur, Wissenschaft und Religion erlebt. Die Kunstwerke der Renaissance in den deutschen Landen zeichnen sich durch eine besondere Vielfalt und durch einzelne, große künstlerische Begabungen aus, die den italienischen nicht nachstehen. In Franken und Bayern, am Nieder- und Oberrhein, in der Schweiz ebenso wie im hohen Norden zeigen die Bildkünste im ersten Drittel des 16. Jahrhunderts eine Periode höchster Blüte. Unter den Malern sind es Albrecht Dürer in Nürnberg, Albrecht Altdorfer in Regensburg, Lucas Cranach in Wittenberg, Hans Baldung Grien und Matthias Grünewald am Oberrhein sowie Hans Holbein in Basel, die dem Geist der neuen Zeit Ausdruck verleihen. Unter den Bildhauern sind Tilman Riemenschneider in Würzburg, Veit Stoß und Adam Krafft in Nürnberg zu nennen; aber auch im Norden, in Schleswig und Lübeck, sowie entlang des Rheins waren herausragende Bildschnitzer im Geist des neuen Zeitalters tätig. Der ungeheure Reichtum an Altären und Plastiken verschiedenster Art erstreckt sich bis in die abgelegensten Landkirchen und Wallfahrtsorte.
Aus Anlass des 550. Geburtstages von Albrecht Dürer und mit Blick auf die Ausstellung der Sammlung Klugkist im Kupferstichkabinett der Kunsthalle mit Blättern von Dürer und seinen Zeitgenossen sollen in diesem Tagesseminar die großen künstlerischen Errungenschaften der Dürerzeit in Deutschland vorgestellt werden. Der Schwerpunkt liegt dabei auf den Werken, die man noch an Ort und Stelle oder in den Museen aufsuchen kann. 

Dr. Alice Gudera

Mit der ersten umfassenden Ausstellung im deutschsprachigen Raum widmet sich die Berliner Gemäldegalerie der Kunst der Spätgotik. Angeregt durch niederländische Entwicklungen veränderten sich ab den 1430er-Jahren die künstlerischen Ausdrucksmittel: Licht und Schatten, Körper und Raum wurden zunehmend wirklichkeitsnah dargestellt. Mit der Erfindung der Drucktechnik fanden diese Neuerungen eine massenhafte Verbreitung. Trotz ihrer religiösen Zweckbestimmung wurden Bilder immer stärker als Kunst wahrgenommen; Künstler erlangten überregionale Berühmtheit. Mit rund 130 Objekten – hochkarätige Leihgaben sowie zentrale Werke aus den Beständen der Staatlichen Museen zu Berlin – werden in der Gegenüberstellung verschiedener Kunstgattungen die medialen Innovationen des 15. Jahrhunderts und die Kunst der Spätgotik in ihrer Vielfalt erlebbar.

Dr. Alice Gudera

Der kurz Raffael genannte und aus Urbino stammende Künstler Raffaelo Sanzio (1483–1520) gehört neben Leonardo und Michelangelo zu den bedeutendsten Künstlern der italienischen Hochrenaissance. Anlässlich seines 500. Todestages würdigen zahlreiche Museen sein Werk mit Ausstellungen. Der Erfolg des Genies schien schon in jungen Jahren grenzenlos. Einen besonderen Höhepunkt seines Schaffens erreichte Raffael bereits im Alter von 25 Jahren, als er den Auftrag erhielt, die Privatgemächer Papst Julius II. im Vatikan, zunächst die „Stanza della Segnatura“, mit Wandmalerei zu versehen. Darunter gehört die „Die Schule von Athen“ zweifelsfrei zu den bekanntesten Werken der europäischen Kunstgeschichte, jedoch äußert sich seine Meisterschaft uneingeschränkt ebenso in den zahlreichen weiteren Fresken im vatikanischen Palast, in seinen Altären mit immer wieder eindringlich dargestellten Marienbildern sowie der von ihm ausgebildeten Auffassung des Porträts.

Die anfänglichen Spuren seiner umbrischen Heimat treten mit Raffaels Übersiedlung nach Florenz 1504 und später nach Rom zurück, die Auseinandersetzung mit Leonardo, Fra Bartolomeo und Michelangelo befördert nun seine weitere Entwicklung. Neben den Aufgaben für den Vatikan, die sich nach dem Tode Bramantes nicht allein auf die Bildkünste, sondern auch auf die Bauleitung des Neubaus von St. Peter erstreckten, arbeitete Raffael für zahlreiche private Auftraggeber.

Das Seminar findet im Veranstaltungsraum statt.

Dr. Katerina Vatsella

Veränderungen im Stil und der Darstellungsweise haben innerhalb der Entwicklung der Kunst unterschiedliche Intensität und Dauer. In früheren Jahrhunderten dauerten Richtungen viele Jahrzehnte an, wuchsen langsam und kontinuierlich und bildeten viele Zwischenformen und Varianten. Diese Entwicklung erfuhr seit dem Beginn des 20. Jahrhunderts eine Beschleunigung und es entwickelten sich relativ schnell, zeitweise parallel, neue Kunstformen und Richtungen. Neue wissenschaftliche Erkenntnisse, technische Erfindungen, tiefgreifende soziale Umschichtungen und Ereignisse wie die Weltkriege, die zu politischen und wirtschaftlichen Neuordnungen führten, trugen indirekt zu dieser Entwicklung in der Kunst des 20. Jahrhunderts bei.
Bezeichnend für dieses Jahrhundert ist auch, dass zwar die traditionellen Gattungen, wie Malerei, Zeichnung, Grafik, Skulptur oder Fotografie als Techniken im 20. Jahrhundert weiter bestanden. Doch viel Neues spielte sich an ihren Rändern ab: Sie wurden vermischt, es kamen neue Techniken auf, z.B. die Collage und Gattungen, z.B. das Objekt oder das Multiple. Sie wurden durch andere Bereiche wie Film, Musik, Tanz, Theater erweitert, es entstanden ganz Kunsträume, Environments oder Installationen. :Es gibt viele bedeutende Künstler*innen im 20. Jahrhundert. Einige unter ihnen waren jedoch deshalb besonders wichtig, weil sie nicht nur ein eigenständiges, wichtiges Werk hinterlassen haben. Sondern vor allem, weil sie durch ihre Arbeit andere Künstler*innen bzw. ganze Kunstrichtungen initiiert und beeinflusst haben.
Fünf unter ihnen scheinen eine Art Meilensteine für das Verständnis moderner Kunst zu sein: Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Joseph Beuys, John Cage und Nam June Paik.
Ihr Schaffen wollen wir in diesem Seminar genauer betrachten und untersuchen, worin ihre Bedeutung als Schlüsselfiguren in der Entwicklung der Kunst im 20. Jahrhundert bestand.

19. Juni: Pablo Picasso (1881–1973)
26. Juni: Marcel Duchamp (1887–1968)
3. Juli: Joseph Beuys (1921–1986)
10. Juli: John Cage (1912–1992)
17. Juli: Nam June Paik (1932–2006)

Dr. Katerina Vatsella

Veränderungen im Stil und der Darstellungsweise haben innerhalb der Entwicklung der Kunst unterschiedliche Intensität und Dauer. In früheren Jahrhunderten dauerten Richtungen viele Jahrzehnte an, wuchsen langsam und kontinuierlich und bildeten viele Zwischenformen und Varianten. Diese Entwicklung erfuhr seit dem Beginn des 20. Jahrhunderts eine Beschleunigung und es entwickelten sich relativ schnell, zeitweise parallel, neue Kunstformen und Richtungen. Neue wissenschaftliche Erkenntnisse, technische Erfindungen, tiefgreifende soziale Umschichtungen und Ereignisse wie die Weltkriege, die zu politischen und wirtschaftlichen Neuordnungen führten, trugen indirekt zu dieser Entwicklung in der Kunst des 20. Jahrhunderts bei.
Bezeichnend für dieses Jahrhundert ist auch, dass zwar die traditionellen Gattungen, wie Malerei, Zeichnung, Grafik, Skulptur oder Fotografie als Techniken im 20. Jahrhundert weiter bestanden. Doch viel Neues spielte sich an ihren Rändern ab: Sie wurden vermischt, es kamen neue Techniken auf, z.B. die Collage und Gattungen, z.B. das Objekt oder das Multiple. Sie wurden durch andere Bereiche wie Film, Musik, Tanz, Theater erweitert, es entstanden ganz Kunsträume, Environments oder Installationen. :Es gibt viele bedeutende Künstler*innen im 20. Jahrhundert. Einige unter ihnen waren jedoch deshalb besonders wichtig, weil sie nicht nur ein eigenständiges, wichtiges Werk hinterlassen haben. Sondern vor allem, weil sie durch ihre Arbeit andere Künstler*innen bzw. ganze Kunstrichtungen initiiert und beeinflusst haben.
Fünf unter ihnen scheinen eine Art Meilensteine für das Verständnis moderner Kunst zu sein: Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Joseph Beuys, John Cage und Nam June Paik.
Ihr Schaffen wollen wir in diesem Seminar genauer betrachten und untersuchen, worin ihre Bedeutung als Schlüsselfiguren in der Entwicklung der Kunst im 20. Jahrhundert bestand.

19. Juni: Pablo Picasso (1881–1973)
26. Juni: Marcel Duchamp (1887–1968)
3. Juli: Joseph Beuys (1921–1986)
10. Juli: John Cage (1912–1992)
17. Juli: Nam June Paik (1932–2006)

Dr. Katerina Vatsella

Veränderungen im Stil und der Darstellungsweise haben innerhalb der Entwicklung der Kunst unterschiedliche Intensität und Dauer. In früheren Jahrhunderten dauerten Richtungen viele Jahrzehnte an, wuchsen langsam und kontinuierlich und bildeten viele Zwischenformen und Varianten. Diese Entwicklung erfuhr seit dem Beginn des 20. Jahrhunderts eine Beschleunigung und es entwickelten sich relativ schnell, zeitweise parallel, neue Kunstformen und Richtungen. Neue wissenschaftliche Erkenntnisse, technische Erfindungen, tiefgreifende soziale Umschichtungen und Ereignisse wie die Weltkriege, die zu politischen und wirtschaftlichen Neuordnungen führten, trugen indirekt zu dieser Entwicklung in der Kunst des 20. Jahrhunderts bei.
Bezeichnend für dieses Jahrhundert ist auch, dass zwar die traditionellen Gattungen, wie Malerei, Zeichnung, Grafik, Skulptur oder Fotografie als Techniken im 20. Jahrhundert weiter bestanden. Doch viel Neues spielte sich an ihren Rändern ab: Sie wurden vermischt, es kamen neue Techniken auf, z.B. die Collage und Gattungen, z.B. das Objekt oder das Multiple. Sie wurden durch andere Bereiche wie Film, Musik, Tanz, Theater erweitert, es entstanden ganz Kunsträume, Environments oder Installationen. :Es gibt viele bedeutende Künstler*innen im 20. Jahrhundert. Einige unter ihnen waren jedoch deshalb besonders wichtig, weil sie nicht nur ein eigenständiges, wichtiges Werk hinterlassen haben. Sondern vor allem, weil sie durch ihre Arbeit andere Künstler*innen bzw. ganze Kunstrichtungen initiiert und beeinflusst haben.
Fünf unter ihnen scheinen eine Art Meilensteine für das Verständnis moderner Kunst zu sein: Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Joseph Beuys, John Cage und Nam June Paik.
Ihr Schaffen wollen wir in diesem Seminar genauer betrachten und untersuchen, worin ihre Bedeutung als Schlüsselfiguren in der Entwicklung der Kunst im 20. Jahrhundert bestand.

19. Juni: Pablo Picasso (1881–1973)
26. Juni: Marcel Duchamp (1887–1968)
3. Juli: Joseph Beuys (1921–1986)
10. Juli: John Cage (1912–1992)
17. Juli: Nam June Paik (1932–2006)

Dr. Katerina Vatsella

Veränderungen im Stil und der Darstellungsweise haben innerhalb der Entwicklung der Kunst unterschiedliche Intensität und Dauer. In früheren Jahrhunderten dauerten Richtungen viele Jahrzehnte an, wuchsen langsam und kontinuierlich und bildeten viele Zwischenformen und Varianten. Diese Entwicklung erfuhr seit dem Beginn des 20. Jahrhunderts eine Beschleunigung und es entwickelten sich relativ schnell, zeitweise parallel, neue Kunstformen und Richtungen. Neue wissenschaftliche Erkenntnisse, technische Erfindungen, tiefgreifende soziale Umschichtungen und Ereignisse wie die Weltkriege, die zu politischen und wirtschaftlichen Neuordnungen führten, trugen indirekt zu dieser Entwicklung in der Kunst des 20. Jahrhunderts bei.
Bezeichnend für dieses Jahrhundert ist auch, dass zwar die traditionellen Gattungen, wie Malerei, Zeichnung, Grafik, Skulptur oder Fotografie als Techniken im 20. Jahrhundert weiter bestanden. Doch viel Neues spielte sich an ihren Rändern ab: Sie wurden vermischt, es kamen neue Techniken auf, z.B. die Collage und Gattungen, z.B. das Objekt oder das Multiple. Sie wurden durch andere Bereiche wie Film, Musik, Tanz, Theater erweitert, es entstanden ganz Kunsträume, Environments oder Installationen. :Es gibt viele bedeutende Künstler*innen im 20. Jahrhundert. Einige unter ihnen waren jedoch deshalb besonders wichtig, weil sie nicht nur ein eigenständiges, wichtiges Werk hinterlassen haben. Sondern vor allem, weil sie durch ihre Arbeit andere Künstler*innen bzw. ganze Kunstrichtungen initiiert und beeinflusst haben.
Fünf unter ihnen scheinen eine Art Meilensteine für das Verständnis moderner Kunst zu sein: Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Joseph Beuys, John Cage und Nam June Paik.
Ihr Schaffen wollen wir in diesem Seminar genauer betrachten und untersuchen, worin ihre Bedeutung als Schlüsselfiguren in der Entwicklung der Kunst im 20. Jahrhundert bestand.

19. Juni: Pablo Picasso (1881–1973)
26. Juni: Marcel Duchamp (1887–1968)
3. Juli: Joseph Beuys (1921–1986)
10. Juli: John Cage (1912–1992)
17. Juli: Nam June Paik (1932–2006)

Dr. Katerina Vatsella

Veränderungen im Stil und der Darstellungsweise haben innerhalb der Entwicklung der Kunst unterschiedliche Intensität und Dauer. In früheren Jahrhunderten dauerten Richtungen viele Jahrzehnte an, wuchsen langsam und kontinuierlich und bildeten viele Zwischenformen und Varianten. Diese Entwicklung erfuhr seit dem Beginn des 20. Jahrhunderts eine Beschleunigung und es entwickelten sich relativ schnell, zeitweise parallel, neue Kunstformen und Richtungen. Neue wissenschaftliche Erkenntnisse, technische Erfindungen, tiefgreifende soziale Umschichtungen und Ereignisse wie die Weltkriege, die zu politischen und wirtschaftlichen Neuordnungen führten, trugen indirekt zu dieser Entwicklung in der Kunst des 20. Jahrhunderts bei.
Bezeichnend für dieses Jahrhundert ist auch, dass zwar die traditionellen Gattungen, wie Malerei, Zeichnung, Grafik, Skulptur oder Fotografie als Techniken im 20. Jahrhundert weiter bestanden. Doch viel Neues spielte sich an ihren Rändern ab: Sie wurden vermischt, es kamen neue Techniken auf, z.B. die Collage und Gattungen, z.B. das Objekt oder das Multiple. Sie wurden durch andere Bereiche wie Film, Musik, Tanz, Theater erweitert, es entstanden ganz Kunsträume, Environments oder Installationen. :Es gibt viele bedeutende Künstler*innen im 20. Jahrhundert. Einige unter ihnen waren jedoch deshalb besonders wichtig, weil sie nicht nur ein eigenständiges, wichtiges Werk hinterlassen haben. Sondern vor allem, weil sie durch ihre Arbeit andere Künstler*innen bzw. ganze Kunstrichtungen initiiert und beeinflusst haben.
Fünf unter ihnen scheinen eine Art Meilensteine für das Verständnis moderner Kunst zu sein: Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Joseph Beuys, John Cage und Nam June Paik.
Ihr Schaffen wollen wir in diesem Seminar genauer betrachten und untersuchen, worin ihre Bedeutung als Schlüsselfiguren in der Entwicklung der Kunst im 20. Jahrhundert bestand.

19. Juni: Pablo Picasso (1881–1973)
26. Juni: Marcel Duchamp (1887–1968)
3. Juli: Joseph Beuys (1921–1986)
10. Juli: John Cage (1912–1992)
17. Juli: Nam June Paik (1932–2006)

Dr. Alice Gudera

Weiß, seit Aristoteles eine der Grundfarben und bereits traditionell mit Reinheit und Unschuld, aber auch mit dem Göttlichen assoziiert, erfuhr in der Moderne noch einmal eine enorme Aufwertung. Die Antikensehnsucht des 18. Jahrhunderts dachte sich die klassischen Skulpturen weiß – im Gegensatz zur Buntheit und Profanität der Welt. Die antikische Aura von Kühle und Erhabenheit beeinflusste nicht nur die Architektur des Klassizismus; auch die Architekten der Avantgarde von Theo van Duisburg über Walter Gropius bis Le Corbusier träumten vom asketisch weißen, vergeistigten Bau der Moderne.
Nachdem die Kunst des 19. Jahrhunderts von Turner über Monet bis Whistler das Weiß als Farbe rehabilitiert hatte, wurde es – parallel zu seiner ideologischen Besetzung in der Architektur – auch in der avantgardistischen Malerei zu einem zentralen Thema. Die Idee des weißen Bildes stand nunmehr, bei Kandinsky ebenso wie bei Malewitsch oder nach dem Zweiten Weltkrieg bei Lucio Fontana und den Künstlern der Gruppe ZERO, als Synonym für die „tabula rasa“ und einen fundamentalen Neuanfang.
In der konzeptuellen Malerei eines Robert Ryman schließlich – aber auch im „White Cube“ des Galerieraums – kommt die Kunst gleichsam zu sich selbst; sie hat sich von allen außerbildlichen Bezügen befreit. Unsere Seminarreihe, in der wir die Geschichte der wichtigsten Farben und ihre Verwendung in der Kunst von der Antike bis in die Gegenwart nachgezeichnet haben, beschließen wir daher mit dem Weiß.

Dr. Katherina Erling

Die erste Hälfte des 20. Jahrhunderts brachte eine bisher nie da gewesene Vielfalt unterschiedlichster Kunstrichtungen und radikaler Neuansätze hervor. Dabei ging es in der von politischen Umbrüchen, sozialen Revolutionen und wissenschaftlichen Entdeckungen bewegten Zeit vor allem um eines: um die Suche nach einer komplexeren Erfassung der Wirklichkeit. Die neu gefundenen Wege prägten die Kunst bis zum Ende des Jahrhunderts. Die Künstler des Expressionismus wollten das Wesen der Dinge entblößen und stellten daher das Erlebnis der Innenwelt und den Drang nach starkem und unmittelbarem Ausdruck in den Mittelpunkt ihres Schaffens. Picasso und Braque übersetzten im frühen Kubismus die unterschiedliche Wahrnehmung von Figuren und Gegenständen in einen dynamischen eigengesetzlichen Bildorganismus. Kandinsky löste sich von der Darstellung der sichtbaren Welt und wandte sich hin zur Abstraktion. Ähnliche Wege beschritten Kasimir Malewitsch und Piet Mondrian. Als Reaktion auf Krieg, Revolution und Verelendung entstand der sozial-kritische Realismus von George Grosz und Otto Dix. Der Dadaismus verstand sich als „Antikunst“ und entwickelte eine anarchische Kunst mit unsinnigen, trivialen und zufälligen Dingen des Alltags. Der Surrealismus widmete sich der Darstellung des Unbewussten, Traumhaften und Absurden, während die Künstler am Bauhaus die konkrete Lebenswelt durch die Erneuerung von Kunst, Architektur und Handwerk umzugestalten versuchten. Das Seminar will sowohl die wichtigsten Strömungen und Stilrichtungen dieser Zeit vorstellen als auch individuelle Wege führender Künstler verfolgen.

15. Januar: Der Expressionismus. Die Brücke, Der Blaue Reiter und ihre Vorläufer

22. Januar: Der Weg in die Abstrakte Kunst. Die Künstler am Bauhaus.

29. Januar: Realistische Tendenzen und Neue Sachlichkeit. Die Einzelgänger Max Beckmann und Oskar Kokoschka.

5. Februar: Pittura Metafisica, Dadaismus und Surrealismus