Dr. Katerina Vatsella

Veränderungen im Stil und der Darstellungsweise haben innerhalb der Entwicklung der Kunst unterschiedliche Intensität und Dauer. In früheren Jahrhunderten dauerten Richtungen viele Jahrzehnte an, wuchsen langsam und kontinuierlich und bildeten viele Zwischenformen und Varianten. Diese Entwicklung erfuhr seit dem Beginn des 20. Jahrhunderts eine Beschleunigung und es entwickelten sich relativ schnell, zeitweise parallel, neue Kunstformen und Richtungen. Neue wissenschaftliche Erkenntnisse, technische Erfindungen, tiefgreifende soziale Umschichtungen und Ereignisse wie die Weltkriege, die zu politischen und wirtschaftlichen Neuordnungen führten, trugen indirekt zu dieser Entwicklung in der Kunst des 20. Jahrhunderts bei.
Bezeichnend für dieses Jahrhundert ist auch, dass zwar die traditionellen Gattungen, wie Malerei, Zeichnung, Grafik, Skulptur oder Fotografie als Techniken im 20. Jahrhundert weiter bestanden. Doch viel Neues spielte sich an ihren Rändern ab: Sie wurden vermischt, es kamen neue Techniken auf, z.B. die Collage und Gattungen, z.B. das Objekt oder das Multiple. Sie wurden durch andere Bereiche wie Film, Musik, Tanz, Theater erweitert, es entstanden ganz Kunsträume, Environments oder Installationen. :Es gibt viele bedeutende Künstler*innen im 20. Jahrhundert. Einige unter ihnen waren jedoch deshalb besonders wichtig, weil sie nicht nur ein eigenständiges, wichtiges Werk hinterlassen haben. Sondern vor allem, weil sie durch ihre Arbeit andere Künstler*innen bzw. ganze Kunstrichtungen initiiert und beeinflusst haben.
Fünf unter ihnen scheinen eine Art Meilensteine für das Verständnis moderner Kunst zu sein: Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Joseph Beuys, John Cage und Nam June Paik.
Ihr Schaffen wollen wir in diesem Seminar genauer betrachten und untersuchen, worin ihre Bedeutung als Schlüsselfiguren in der Entwicklung der Kunst im 20. Jahrhundert bestand.

19. Juni: Pablo Picasso (1881–1973)
26. Juni: Marcel Duchamp (1887–1968)
3. Juli: Joseph Beuys (1921–1986)
10. Juli: John Cage (1912–1992)
17. Juli: Nam June Paik (1932–2006)

Dr. Katerina Vatsella

Veränderungen im Stil und der Darstellungsweise haben innerhalb der Entwicklung der Kunst unterschiedliche Intensität und Dauer. In früheren Jahrhunderten dauerten Richtungen viele Jahrzehnte an, wuchsen langsam und kontinuierlich und bildeten viele Zwischenformen und Varianten. Diese Entwicklung erfuhr seit dem Beginn des 20. Jahrhunderts eine Beschleunigung und es entwickelten sich relativ schnell, zeitweise parallel, neue Kunstformen und Richtungen. Neue wissenschaftliche Erkenntnisse, technische Erfindungen, tiefgreifende soziale Umschichtungen und Ereignisse wie die Weltkriege, die zu politischen und wirtschaftlichen Neuordnungen führten, trugen indirekt zu dieser Entwicklung in der Kunst des 20. Jahrhunderts bei.
Bezeichnend für dieses Jahrhundert ist auch, dass zwar die traditionellen Gattungen, wie Malerei, Zeichnung, Grafik, Skulptur oder Fotografie als Techniken im 20. Jahrhundert weiter bestanden. Doch viel Neues spielte sich an ihren Rändern ab: Sie wurden vermischt, es kamen neue Techniken auf, z.B. die Collage und Gattungen, z.B. das Objekt oder das Multiple. Sie wurden durch andere Bereiche wie Film, Musik, Tanz, Theater erweitert, es entstanden ganz Kunsträume, Environments oder Installationen. :Es gibt viele bedeutende Künstler*innen im 20. Jahrhundert. Einige unter ihnen waren jedoch deshalb besonders wichtig, weil sie nicht nur ein eigenständiges, wichtiges Werk hinterlassen haben. Sondern vor allem, weil sie durch ihre Arbeit andere Künstler*innen bzw. ganze Kunstrichtungen initiiert und beeinflusst haben.
Fünf unter ihnen scheinen eine Art Meilensteine für das Verständnis moderner Kunst zu sein: Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Joseph Beuys, John Cage und Nam June Paik.
Ihr Schaffen wollen wir in diesem Seminar genauer betrachten und untersuchen, worin ihre Bedeutung als Schlüsselfiguren in der Entwicklung der Kunst im 20. Jahrhundert bestand.

19. Juni: Pablo Picasso (1881–1973)
26. Juni: Marcel Duchamp (1887–1968)
3. Juli: Joseph Beuys (1921–1986)
10. Juli: John Cage (1912–1992)
17. Juli: Nam June Paik (1932–2006)

Dr. Katerina Vatsella

Veränderungen im Stil und der Darstellungsweise haben innerhalb der Entwicklung der Kunst unterschiedliche Intensität und Dauer. In früheren Jahrhunderten dauerten Richtungen viele Jahrzehnte an, wuchsen langsam und kontinuierlich und bildeten viele Zwischenformen und Varianten. Diese Entwicklung erfuhr seit dem Beginn des 20. Jahrhunderts eine Beschleunigung und es entwickelten sich relativ schnell, zeitweise parallel, neue Kunstformen und Richtungen. Neue wissenschaftliche Erkenntnisse, technische Erfindungen, tiefgreifende soziale Umschichtungen und Ereignisse wie die Weltkriege, die zu politischen und wirtschaftlichen Neuordnungen führten, trugen indirekt zu dieser Entwicklung in der Kunst des 20. Jahrhunderts bei.
Bezeichnend für dieses Jahrhundert ist auch, dass zwar die traditionellen Gattungen, wie Malerei, Zeichnung, Grafik, Skulptur oder Fotografie als Techniken im 20. Jahrhundert weiter bestanden. Doch viel Neues spielte sich an ihren Rändern ab: Sie wurden vermischt, es kamen neue Techniken auf, z.B. die Collage und Gattungen, z.B. das Objekt oder das Multiple. Sie wurden durch andere Bereiche wie Film, Musik, Tanz, Theater erweitert, es entstanden ganz Kunsträume, Environments oder Installationen. :Es gibt viele bedeutende Künstler*innen im 20. Jahrhundert. Einige unter ihnen waren jedoch deshalb besonders wichtig, weil sie nicht nur ein eigenständiges, wichtiges Werk hinterlassen haben. Sondern vor allem, weil sie durch ihre Arbeit andere Künstler*innen bzw. ganze Kunstrichtungen initiiert und beeinflusst haben.
Fünf unter ihnen scheinen eine Art Meilensteine für das Verständnis moderner Kunst zu sein: Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Joseph Beuys, John Cage und Nam June Paik.
Ihr Schaffen wollen wir in diesem Seminar genauer betrachten und untersuchen, worin ihre Bedeutung als Schlüsselfiguren in der Entwicklung der Kunst im 20. Jahrhundert bestand.

19. Juni: Pablo Picasso (1881–1973)
26. Juni: Marcel Duchamp (1887–1968)
3. Juli: Joseph Beuys (1921–1986)
10. Juli: John Cage (1912–1992)
17. Juli: Nam June Paik (1932–2006)

Dr. Alice Gudera

Weiß, seit Aristoteles eine der Grundfarben und bereits traditionell mit Reinheit und Unschuld, aber auch mit dem Göttlichen assoziiert, erfuhr in der Moderne noch einmal eine enorme Aufwertung. Die Antikensehnsucht des 18. Jahrhunderts dachte sich die klassischen Skulpturen weiß – im Gegensatz zur Buntheit und Profanität der Welt. Die antikische Aura von Kühle und Erhabenheit beeinflusste nicht nur die Architektur des Klassizismus; auch die Architekten der Avantgarde von Theo van Duisburg über Walter Gropius bis Le Corbusier träumten vom asketisch weißen, vergeistigten Bau der Moderne.
Nachdem die Kunst des 19. Jahrhunderts von Turner über Monet bis Whistler das Weiß als Farbe rehabilitiert hatte, wurde es – parallel zu seiner ideologischen Besetzung in der Architektur – auch in der avantgardistischen Malerei zu einem zentralen Thema. Die Idee des weißen Bildes stand nunmehr, bei Kandinsky ebenso wie bei Malewitsch oder nach dem Zweiten Weltkrieg bei Lucio Fontana und den Künstlern der Gruppe ZERO, als Synonym für die „tabula rasa“ und einen fundamentalen Neuanfang.
In der konzeptuellen Malerei eines Robert Ryman schließlich – aber auch im „White Cube“ des Galerieraums – kommt die Kunst gleichsam zu sich selbst; sie hat sich von allen außerbildlichen Bezügen befreit. Unsere Seminarreihe, in der wir die Geschichte der wichtigsten Farben und ihre Verwendung in der Kunst von der Antike bis in die Gegenwart nachgezeichnet haben, beschließen wir daher mit dem Weiß.

Dr. Katherina Erling

Die erste Hälfte des 20. Jahrhunderts brachte eine bisher nie da gewesene Vielfalt unterschiedlichster Kunstrichtungen und radikaler Neuansätze hervor. Dabei ging es in der von politischen Umbrüchen, sozialen Revolutionen und wissenschaftlichen Entdeckungen bewegten Zeit vor allem um eines: um die Suche nach einer komplexeren Erfassung der Wirklichkeit. Die neu gefundenen Wege prägten die Kunst bis zum Ende des Jahrhunderts. Die Künstler des Expressionismus wollten das Wesen der Dinge entblößen und stellten daher das Erlebnis der Innenwelt und den Drang nach starkem und unmittelbarem Ausdruck in den Mittelpunkt ihres Schaffens. Picasso und Braque übersetzten im frühen Kubismus die unterschiedliche Wahrnehmung von Figuren und Gegenständen in einen dynamischen eigengesetzlichen Bildorganismus. Kandinsky löste sich von der Darstellung der sichtbaren Welt und wandte sich hin zur Abstraktion. Ähnliche Wege beschritten Kasimir Malewitsch und Piet Mondrian. Als Reaktion auf Krieg, Revolution und Verelendung entstand der sozial-kritische Realismus von George Grosz und Otto Dix. Der Dadaismus verstand sich als „Antikunst“ und entwickelte eine anarchische Kunst mit unsinnigen, trivialen und zufälligen Dingen des Alltags. Der Surrealismus widmete sich der Darstellung des Unbewussten, Traumhaften und Absurden, während die Künstler am Bauhaus die konkrete Lebenswelt durch die Erneuerung von Kunst, Architektur und Handwerk umzugestalten versuchten. Das Seminar will sowohl die wichtigsten Strömungen und Stilrichtungen dieser Zeit vorstellen als auch individuelle Wege führender Künstler verfolgen.

15. Januar: Der Expressionismus. Die Brücke, Der Blaue Reiter und ihre Vorläufer

22. Januar: Der Weg in die Abstrakte Kunst. Die Künstler am Bauhaus.

29. Januar: Realistische Tendenzen und Neue Sachlichkeit. Die Einzelgänger Max Beckmann und Oskar Kokoschka.

5. Februar: Pittura Metafisica, Dadaismus und Surrealismus